Septiembre de 2020. Gwendoline Christie, la icónica actriz (¡y al parecer #RealMooncupUser!), conocida por interpretar a Brienne de Tarth en Juego de Tronos, etiqueta a @mooncupltd en la obra de arte más deslumbrante de Instagram . Una búsqueda rápida en Google revela que fue creada por la artista escocesa Lucy McKenzie y que se exhibió en el Museo Brandhorst de Múnich.
Resulta que la pintura se creó originalmente en 2012. ¡¿Cómo no la habíamos descubierto antes?! Tras un poco de investigación, contactamos con Lucy y, para nuestra alegría, accedió a hablar con nosotros y compartir la historia detrás de su tríptico "Mooncup".
Lucy, eres de Escocia, pero ahora vives en Bruselas. ¿Podrías contarnos un poco sobre ti y cómo acabaste viviendo en Bélgica?
Pasé mi adolescencia tocando música y creando fanzines, pero luego descubrí en la escuela de arte que me encantaba pintar. Estudié en la Escuela de Arte y Diseño Duncan of Jordanstone en Dundee antes de regresar a Glasgow, donde crecí.
Dejé de tocar música, pero siempre he conservado mi pasión por la vida social y he seguido organizando eventos en mis diversos estudios. Tengo un pequeño sello discográfico y me encanta colaborar. También tengo una marca de moda, Atelier EB, con una diseñadora de Edimburgo llamada Beca Lipscombe; llevamos 13 años trabajando juntas.
Me mudé a Bélgica en 2006. Me atrajo mi interés y curiosidad por lo que el país tenía para ofrecer, ya sea la gran moda que surgió de Bélgica a principios de los años 2000, ciertos tipos de música, los cómics, el Art Nouveau y el Art Decó.
También hay muchas cosas de Bélgica que, como escocés, me resultan interesantes. Al igual que en Escocia, no existe una narrativa grandiosa ni una identidad cultural nacional dominante como la que se encuentra en otros lugares. Esto deja al artista espacio mental para reflexionar sobre cómo podría ser esa identidad. Creo que hay algo que siempre atrae a los artistas a estar lejos de su ciudad natal. Ser un forastero puede ser enriquecedor, creativamente.
Llevo 14 años viviendo en Bruselas. Tengo un estudio maravilloso en el centro; es un verdadero santuario. Además, es un lugar ideal para viajar por trabajo.
Sabemos que eres un #UsuarioRealDeMooncup . ¿Cuál es tu historia con Mooncup®?
Una colega artista y amiga, Bonnie Camplin , me recomendó la Mooncup® . Siempre recuerdo el correo que me envió porque parecía spam; con un asunto que decía: "Recomiendo ampliamente este producto" y un enlace. Eso era todo. Parecía muy sospechoso, pero pronto me di cuenta de que era solo su humor irónico.
Cuando hice clic en el enlace, no podía creerlo y me preguntaba por qué no lo conocía. Me pareció una pieza de diseño brillante. Simplemente me puso de manifiesto otra falla de nuestra sociedad: que un producto tan bueno seguía siendo tan desconocido, mientras la gente seguía usando tampones y todo ese material desechable.
En Bélgica, por aquel entonces, la Mooncup estaba disponible en las tiendas de alimentación natural locales. Recuerdo comprársela a mis amigos en Escocia. ¡Todos querían una!
Entre mi red de amigas ya estábamos hablando de temas relacionados con nuestros cuerpos y hormonas, relaciones y períodos, así que todo viajó de boca en boca, como una pequeña ola.
Lo personal es político
¿Qué te inspiró a crear el cuadro ‘Mooncup’?
Como pintor, me fascinó cómo la Copa Lunar cambió mi relación con la sangre . De hecho, no solo como pintor, sino como persona.
Me asombró lo diferente que era a la sangre de una herida. O a la sangre considerada repugnante, vergonzosa y sucia, como un tampón que se envuelve en papel higiénico y se tira a la basura en un baño público. Era completamente eficiente y muy hermoso. También se podía ver claramente cuánta sangre se derramaba cada mes.
También me encanta cómo, al verter la sangre en el inodoro o en el lavabo, se podía apreciar lo increíble que es. Un rojo vino oscuro, intenso, casi azul. Y luego, al diluirse, se volvía casi amarillo harina de maíz, o incluso verdoso. Y me hizo pensar: «Ojalá pudiera encontrar una pintura que se comportara así, tan intensa y viva como este material». Me pareció muy inspirador. Se trataba de esta relación personal con mi propio cuerpo, y de esta novedad que me hizo experimentar la sangre y mis periodos de una manera diferente.
Pero en toda mi obra, me esfuerzo por encontrar un equilibrio entre diversos elementos en tensión: masculino y femenino, racional e irracional, conceptual e instintivo. Por eso, con esta pintura quise abordar la cuestión más amplia de cómo lo personal es político. Es una frase antigua, pero sigue vigente hoy en día. Las experiencias de las mujeres aún se ignoran y menosprecian, se consideran insignificantes o frívolas. Creo que es fundamental que las mujeres hablen de estas cuestiones privadas y las procesen en su arte.
Existe una tensión arraigada entre la alta cultura y la cultura de masas, donde una es masculina y la otra femenina. Siempre ha existido la idea de que ciertos temas se consideran más legítimos que otros en el arte serio. Como artista femenina, creo que es fundamental insistir constantemente en que nuestras experiencias son extremadamente serias y un material absolutamente válido para el arte.
Todas las mujeres experimentamos nuestro cuerpo y nuestra sexualidad a través de los medios de comunicación. Las redes sociales y las revistas femeninas son particularmente interesantes debido a la complejidad de sus mensajes contradictorios. Por un lado, encontramos anuncios que perpetúan estándares de belleza e higiene irreales, pero por otro, es ahí donde la mujer promedio habría leído sobre el aborto y la igualdad salarial. Para nosotras, las mujeres, es una relación fluctuante y constante entre el deseo de ser bellas, femeninas y deseables según un estándar, pero también el deseo de descubrir quiénes somos realmente.
Quería que esta pintura tuviera todos esos elementos. Pensé: ¿y si llegáramos a un punto en que los productos ecológicos pudieran venderse como algo tan atractivo como un labial de Chanel? Así que decidí que esta gran pintura artística pareciera publicidad.
En cierto modo, estaba proyectando un futuro en el que seríamos tan desvergonzados respecto de los períodos que podríamos simplemente exhibirlos en un cartel visible y podría estar en Times Square, como el Hombre Marlboro.
Y creo que, con suerte, estamos yendo en esa dirección ahora.
Primero expuso el cuadro junto a las obras de otras artistas femeninas en el lateral de unos antiguos grandes almacenes…
Sí, la pintura se creó para un contexto muy específico: una exposición colectiva que organicé en 2012 para un museo belga llamado Muzee , en Ostende. El museo en sí es una antigua mezcla entre unos grandes almacenes y algo parecido a un supermercado Co-op.
El director del museo me invitó a preparar una obra de arte para las vidrieras. Sin duda, fue una gran oportunidad, ya que permitía que la obra pudiera verse de noche y también a los transeúntes. Es algo que valoro mucho como artista, tener una conexión directa con algo que no pertenece al museo y que se hace público.
Tengo una red de mujeres creativas, compañeras de viaje que comparten mi opinión sobre el menosprecio de la experiencia femenina o del trabajo artesanal de las mujeres. Así que le pedí a una mezcla de artistas visuales y diseñadoras, todas buenas amigas, que presentaran conjuntamente una exposición donde cada pieza sirviera también como publicidad para un producto.
Yo mismo hice una serie de pinturas que aludían a la antigua historia del espacio como tienda departamental. La serie incluía esta pintura Mooncup de tres piezas, colocada verticalmente entre las tres plantas, unificando el edificio. Además, todo estaba iluminado con sumo cuidado para que se pudiera ver de noche.
Causando revuelo
La pintura de tres piezas «Mooncup» mide 9 metros de altura en total. ¿Cuál fue la acogida de la pintura en 2012? ¿Ha notado un cambio en la actitud del público desde entonces, con su última exposición en el Brandhorst?
Debo decir que trabajo en una especie de burbuja. Mantengo un perfil bajo a propósito, ya que me resulta más útil tratar ideas si no me examinan con lupa, como ocurre con un perfil público tan alto.
Sé que en Múnich, donde se encuentra el Museo Brandhorst , la pintura generó mucha conversación sobre la Mooncup®, porque la gente no sabía qué era. Me impactó bastante, porque todos mis amigos y yo la usábamos; simplemente asumí que era normal.
También generó conversaciones sobre la menstruación y la Mooncup entre los trabajadores de Brandhorst. Tuvieron que explicarles a los coleccionistas varones mayores qué era. Ni se me pasó por la cabeza que pudiera iniciar esa conversación.
Y brillantemente, la actriz Gwendolyn Christie , quien interpretó a Brienne de Tarth en Juego de Tronos, vio uno de los carteles y lo publicó en Instagram , lo que tuvo una gran acogida. Me encanta, ya que creo que hay algo en la obra que también debería tener un lugar en la cultura pop, porque esa fue su inspiración original: la publicidad masiva.
Hay una revista genial en Bruselas llamada Girls Like Us . Es una revista de cultura lésbica, y cada verano, durante los últimos años, han abierto un bar inclusivo y queer llamado Mothers and Daughters, donde la cerveza es elaborada exclusivamente por mujeres. Usan mis carteles de Mooncup como publicidad en los baños, para que, en cierto modo, se apoderen de todo el espacio. Eso las inspiró.
Siendo sincero, el trabajo de los artistas suele ser recibido con un silencio rotundo; es muy raro obtener una gran reacción. Supongo que los artistas que usan herramientas como Instagram tienen una percepción mucho más tangible de eso. Pero, sin duda, en 2012, ninguno de los que participamos en la muestra teníamos cuentas en redes sociales. Aun así, fue un intercambio muy fructífero con quienes la vieron.
La pintura fue adquirida por una coleccionista italiana residente en Londres, Nicoletta Fiorucci , una gran defensora del arte no convencional. ¡Debe tener una casa enorme! Claro, con sus 9 metros de altura, es absolutamente enorme. El sueño sería colgarla en Times Square como imagen publicitaria, pero uno de los impactos que más me complace es que se hayan puesto en contacto. Solo con eso, la pintura ha cumplido su función.
Sostenibilidad y arte
¿Nos puedes hablar un poco de tu marca de moda?
Nos llamamos Atelier EB , que significa Edimburgo. Bruselas. Conocí a mi socia, Beca, diseñadora, ya que fui modelo para ella a principios de los 2000. Me encantaba su ropa. Cuando me di cuenta de que ella misma se encargaba de la estampación a mano en su estudio de Edimburgo, y de lo importante que era para ella que sus prendas se fabricaran localmente, me di cuenta de que no tenía ni idea de cómo la moda termina en tu espalda.
Le pedí información. Había aprendido en una escuela especial de Bruselas técnicas de pintura decorativa, imitación de mármol y madera, rotulación y dorado; habilidades tan tradicionales que quería incorporar a mis artes visuales. La idea era ofrecer productos estampados a mano por ella, pintados a mano por mí y estampados a mano por un artista del esténcil llamado Bernie Reid. De la decoración de interiores, evolucionamos a una marca de moda. Creamos una exposición sobre la historia de la industria textil escocesa y, para explorarla, confeccionamos ropa, y la gente decía: "¿Podemos comprar esto?". Así que nos convertimos en una marca de moda.
¿Cómo ve el papel de las artes en la promoción de la sostenibilidad y el feminismo?
Creo que, en última instancia, el papel del artista no es aportar ideas que mejoren la vida. Nuestro papel es expresar nuestro subconsciente y hacer exactamente lo que sentimos, por extraño que parezca, así que siempre defenderé el derecho del artista a ello.
Pero, por supuesto, mucho arte brillante surge del deseo de cambiar el mundo. El arte es una gran herramienta para exponer la hipocresía e imaginar un mundo mejor.
En cuanto a la sostenibilidad, en el mundo de mi marca de moda, nos hacen esta pregunta con frecuencia. Empecé a usar la Mooncup a mediados de mis veintitantos, que fue el momento perfecto para usarla, ya que despertó mi interés por la sostenibilidad y por comprender mejor mi cuerpo.
He cultivado mi relación con la sostenibilidad, ya sea en la moda, los productos sanitarios o el arte, a lo largo de toda una vida creando, comprando y compartiendo cosas. Y aunque quiero que el mundo sea sostenible, jamás querría negarle a nadie la experiencia de experimentar con identidades nuevas y refinar su estilo a base de looks deslumbrantes. Me compadezco de los jóvenes de hoy en día, que tienen que cargar con toda esa culpa y responsabilidad por las acciones de otros en nuestro planeta. Pero espero que, como sociedad, estemos volviéndonos más inteligentes en general.
El tipo de trabajo que realizo es crear este producto de lujo, fruto de mi trabajo y paciencia. Prefiero pintar mármol artificial que extraerlo de la tierra y extraer un recurso natural.
Para crear una pintura, se necesitan un par de trozos de madera, un lienzo y pintura al óleo, y listo. Con esto se puede crear un objeto de gran valor, además de impactante para quienes lo vean. Pero, claro, esa obra debe almacenarse o enviarse a todo el mundo para su exhibición. Así que surgen todo tipo de preguntas. Todos debemos ver en nuestra vida personal cuánto estamos dispuestos a sacrificar.
Pero con mi propio trabajo y con Atelier EB, intentamos trabajar lo más posible con vitrinas o elementos de exposición que el museo ya tiene. No es tan común en el mundo del arte. Construyen una carpa, paredes y alfombras para una feria de arte de cinco días y luego la destrozan. El arte tiene que poner orden. ¡ Es una época muy emocionante! En Mooncup, ustedes han hecho todo el trabajo. ¡La única vez que he tenido que comprar una Mooncup nueva fue porque un perro metió la otra!
¿Qué es lo próximo para ti?
Tengo una exposición de arte público llamada " Arte en el metro ". Está lista desde abril de 2020, pero como TfL es parte del gobierno, no hemos podido inaugurarla. Consiste en una gran pintura en el techo, vallas publicitarias y una maqueta de la estación, en una maravillosa estación de metro llamada Sudbury Town, en el noroeste de Londres.
De nuevo, se trata de imágenes publicitarias que invitan a reflexionar sobre las representaciones de la mujer, la clase social, la raza o el hecho de que ya no se puede mostrar a personas fumando en espacios públicos. Pero también es una pintura de techo de la zona, con lugares de interés locales.
La obra de Lucy McKenzie se exhibirá en la Tate Liverpool a partir del 18 de octubre de 2021 y actualmente se exhibe en el Museo Brandhorst de Múnich. También puede ver la exposición de arte público de Lucy, permanente en la estación de Sudbury Town de Londres.
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