A icónica pintura Mooncup de Lucy McKenzie: Menstruações, feminismo e arte em conversa

Setembro de 2020. Gwendoline Christie, a icónica atriz (e #RealMooncupUser ao que parece!), mais conhecida por interpretar Brienne de Tarth em Game of Thrones, marca @mooncupltd na peça de arte mais deslumbrante no Instagram. Uma rápida pesquisa no Google revela que foi criada pela artista escocesa Lucy McKenzie, e que esteve em exibição no Museum Brandhorst em Munique.

Acontece que a pintura foi originalmente criada em 2012 – Como é que não a tínhamos visto antes?! Com um pouco de trabalho de detetive, conseguimos contactar a Lucy e, para nosso prazer, ela concordou em falar connosco e partilhar a história por trás do seu tríptico ‘Mooncup’.

Lucy, és da Escócia mas agora vives em Bruxelas. Podes contar-nos um pouco sobre ti e como acabaste por viver na Bélgica?

Passei a adolescência a tocar música e a fazer fanzines, mas depois descobri na escola de arte que adorava pintar. Estudei no Duncan of Jordanstone College of Art and Design em Dundee antes de voltar para Glasgow, onde cresci.

Deixei de tocar música, mas sempre mantive esse amor pelo lado sociável e continuei a organizar eventos nos meus vários estúdios. Tenho uma pequena editora discográfica e adoro colaborar. Também tenho uma marca de moda, Atelier E.B, com uma designer de Edimburgo chamada Beca Lipscombe, com quem trabalho há 13 anos.

Mudei-me para a Bélgica em 2006. Fui atraído pelo meu interesse e curiosidade pelo que o país tinha para oferecer – fosse a grande moda que saía da Bélgica, no início dos anos 2000, certos tipos de música, banda desenhada, Art Nouveau e Art Deco.

Há também muitas coisas sobre a Bélgica que, como escocês, acho interessantes. Tal como na Escócia, não existe uma narrativa grandiosa real, nem uma identidade cultural nacional dominante que se encontra noutros lugares. Isso deixa o artista com espaço mental para pensar sobre o que essa identidade pode ser. Acredito que há algo que sempre atrai os artistas a estarem longe da sua cidade natal. Pode ser enriquecedor, criativamente, ser um “estrangeiro”.

Tenho vivido em Bruxelas há 14 anos. Tenho um estúdio maravilhoso no centro da cidade, é um verdadeiro santuário. Também é um ótimo lugar para poder viajar a trabalho.

Estamos cientes de que você é um #RealMooncupUser também. Qual é a sua história com a Mooncup®?

Recomendaram-me o Mooncup® uma colega artista e amiga, Bonnie Camplin. Lembro-me sempre do email que ela me enviou porque parecia spam; com um assunto que dizia: "Recomendo muito este produto", e um link. Foi tudo. Parecia muito suspeito, mas depressa percebi que era apenas o seu sentido de humor seco.

Quando cliquei no link, não podia acreditar, e perguntei-me por que não sabia disso. Pareceu-me um design tão brilhante. Apenas me destacou outra falha na nossa sociedade: que um produto tão bom ainda era tão desconhecido, enquanto as pessoas continuavam a usar tampões e todo este material descartável e de uso único.

Na Bélgica, na altura, o Mooncup estava disponível nas lojas locais de produtos naturais. Lembro-me de os comprar para as minhas amigas na Escócia. Toda a gente queria um!

No meu círculo de amigas, já estávamos a falar sobre questões relacionadas com os nossos corpos e hormonas, relacionamentos e períodos, por isso tudo se espalhou de boca em boca, como uma espécie de onda.

O pessoal é político

O que te inspirou a criar a pintura ‘Mooncup’?

Como pintora, fiquei realmente encantada com a forma como o Mooncup mudou a tua relação com o sangue. Na verdade, não só como pintora, mas como pessoa.

Fiquei maravilhada com o quão diferente era do sangue de uma ferida. Ou do sangue visto como nojento, vergonhoso e sujo, que se envolve num tampão com papel higiénico e se deita no caixote do lixo numa casa de banho pública. Era completamente eficiente e muito bonito. Também se podia ver realmente quanto sangue se perdia todos os meses.

Também adoro como, quando verti o sangue para a sanita ou para a pia, se podia ver o quão incrível é este material. Um vermelho escuro, rico, quase vinho, quase azul. E depois, à medida que se diluía, quase se tornava amarelo como farinha de milho, ou até esverdeado. E isso fez-me pensar: "se ao menos pudesse encontrar uma tinta que se comportasse assim, tão rica e viva como este material." Por isso, achei isso muito inspirador. Tratava-se desta relação um a um com o meu próprio corpo, e desta nova coisa que me fez experienciar o sangue e os meus períodos de uma forma diferente.

Mas em todo o meu trabalho, esforço-me por encontrar um equilíbrio entre vários elementos que têm uma tensão; masculino e feminino, racional e irracional, conceptual e instintivo. Por isso, quis abordar a questão mais ampla com esta pintura, sobre como o pessoal é político. É uma frase antiga, mas ainda é verdadeira hoje. As experiências das mulheres ainda são um pouco desvalorizadas e menosprezadas, e vistas como menos importantes ou frívolas. Acredito que é muito importante que as mulheres discutam estas coisas privadas e as processem na sua arte.

Existe uma tensão de longa data entre a alta cultura e a cultura de massa, sendo uma masculina e a outra feminina. Sempre houve a ideia de que certos temas são considerados mais legítimos do que outros na arte séria. Sinto que é muito importante para mim, como artista feminina, reforçar constantemente que as nossas experiências são tanto extremamente sérias como absolutamente válidas como material para a arte.

 

Nós, mulheres, também experienciamos os nossos corpos e a nossa sexualidade através da mediação dos media de massa. As redes sociais e as revistas femininas são particularmente interessantes devido às mensagens complexas e contraditórias. Por um lado, há anúncios que perpetuam padrões irreais de beleza e higiene, mas por outro lado, era aí que a mulher comum lia sobre aborto e igualdade salarial. Para nós, mulheres, é uma relação constante e fluctuante entre querer ser bonita, feminina e desejável segundo um padrão, mas também querer descobrir quem realmente somos.

Queria que esta pintura tivesse todos esses elementos. Pensei, e se chegássemos ao ponto em que produtos ecológicos pudessem ser vendidos como algo tão sexy quanto o batom Chanel? Por isso, decidi fazer esta grande pintura de arte fina parecer publicidade.

De certa forma, eu estava a projetar um futuro onde estaríamos tão desinibidas em relação aos períodos menstruais que poderíamos simplesmente exibi-los num moutdoor massivo e poderia estar na Times Square, como o Marlboro Man.

E penso que, esperançosamente, estamos a caminhar nessa direção agora.

Exibiu a pintura pela primeira vez ao lado do trabalho de outras artistas femininas na lateral de um antiga loja de departamentos…

 

Sim, a pintura foi feita para um contexto muito específico, que foi uma exposição coletiva que organizei em 2012 para um museu belga chamado Muzee, em Ostende. O museu em si é uma antiga mistura entre uma loja de departamentos e algo como o Co-op Supermarket.

O meu convite do Diretor do museu foi para preparar uma obra de arte para as janelas. Isso, claro, é uma grande oportunidade, porque significava que podia ser vista à noite, e também pelos transeuntes. Isto é algo que valorizo como artista, ter uma ligação direta com um público que não frequenta museus.

Tenho uma rede de mulheres criativas, companheiras de viagem que partilham os meus pensamentos sobre a desvalorização da experiência das mulheres, ou do trabalho das mulheres em termos de artesanato. Por isso, pedi a uma mistura de artistas visuais e designers, todos bons amigos, para co-apresentar uma exposição onde cada peça também funcionaria como uma peça publicitária para um produto.

Eu própria fiz uma série de pinturas que todas aludiam à antiga história do espaço como uma loja de departamentos. A série incluía esta pintura Mooncup em três partes, que foi colocada verticalmente entre os três andares, unificando o edifício. E depois tudo foi iluminado com muito cuidado, para que pudesse ser visto à noite.

A causar agitação

A pintura de três partes “Mooncup” tem 9 metros de altura no total. Qual foi a reação à pintura em 2012? Notou alguma mudança na atitude do público desde então, com a sua exposição mais recente no Brandhorst?

Tenho de dizer que trabalho um pouco numa bolha. Deliberadamente mantenho um perfil baixo, pois acho mais útil lidar com ideias se não estiver a ser escrutinado como acontece com um grande perfil público.

Sei que em Munique, onde fica o Museu Brandhorst, a pintura gerou muitas conversas sobre o Mooncup®, porque as pessoas não sabiam o que era. Fiquei bastante surpreendido com isso, porque todos os meus amigos e eu usávamos, eu simplesmente assumia que era normal.

Também provocou conversas sobre períodos e o Mooncup entre as pessoas que trabalham no Brandhorst. Eles tiveram de explicar a colecionadores homens mais velhos o que era. Nem me passou pela cabeça que isso pudesse iniciar essa conversa.

 

E depois, brilhantemente, a atriz Gwendolyn Christie, que interpretou Brienne de Tarth em Game of Thrones, viu um dos cartazes e ela publicou-o no Instagram, o que teve uma enorme repercussão. Adoro isto, pois acredito que há algo na obra que também deveria ter um lugar na cultura pop, porque essa foi a sua inspiração original, a publicidade em massa.

 

Há uma ótima revista em Bruxelas, chamada Girls Like Us. É uma revista de cultura lésbica e, todos os verões nos últimos anos, eles montaram um bar inclusivo e queer chamado Mothers and Daughters, onde a cerveja é toda produzida por mulheres. Eles usam os meus cartazes Mooncup como publicidade nas casas de banho, para dominar todo o espaço. Isso inspirou-os.

Para ser honesto, o trabalho dos artistas geralmente é recebido com um silêncio absoluto, é muito raro haver uma reação enorme. Acho que os artistas que usam ferramentas como o Instagram têm uma noção muito mais tangível disso. Mas certamente, em 2012, nenhum de nós que participou na exposição tinha contas nas redes sociais. Ainda assim, foi uma troca muito, muito frutífera com as pessoas que a viram.

A pintura foi comprada por uma colecionadora italiana, baseada em Londres, chamada Nicoletta Fiorucci, que é uma grande defensora do trabalho não convencional. Ela deve ter uma casa grande! Claro, com 9 metros de altura é absolutamente enorme. O sonho seria que fosse pendurada na Times Square como uma imagem publicitária, mas um dos impactos de que mais me orgulho é que vocês entraram em contacto. Só por isso, a pintura já cumpriu o seu papel.

Sustentabilidade e arte  

Pode-nos falar sobre a sua marca de moda?

Chamamo-nos Atelier E.B, que significa Edinburgh. Brussels. Conheci a minha parceira de negócios Beca, uma designer, pois costumava ser modelo para ela no início dos anos 2000. Adorava as roupas dela. Quando percebi que ela fazia toda a impressão manual sozinha no seu estúdio em Edimburgo, e o quão importante era para ela que as suas coisas fossem feitas localmente, percebi que na verdade não fazia ideia de como a moda acaba nas nossas costas.

Eu meio que a pressionei por informações. Tinha aprendido numa escola especial em Bruxelas técnicas de pintura decorativa, mármore e madeira falsos, letreiros, douração, essas habilidades realmente tradicionais que queria trazer para a minha arte visual. A ideia era que ofereceríamos produtos impressos à mão por ela, pintados à mão por mim e estencilhados à mão por um artista de estêncil chamado Bernie Reid. De interiores decorativos evoluímos para uma marca de moda. Fizemos um desfile olhando para a história da indústria têxtil escocesa e, para explorar isso, fizemos algumas roupas, e as pessoas disseram: “Oh, podemos comprar isto?” então transformámo-nos numa marca de moda.

Como vê o papel das artes na promoção da sustentabilidade e do feminismo?

Acho que, em última análise, o papel do artista não é fornecer ideias para melhorar a vida. O nosso papel é falar o nosso subconsciente e fazer exatamente o que sentimos, não importa quão estranho seja, por isso defenderei sempre o direito do artista a isso.

Mas claro, muita arte brilhante é feita pelo desejo de mudar o mundo. A arte é uma ótima ferramenta para expor a hipocrisia e imaginar um mundo melhor.

No que toca à sustentabilidade, no meu mundo da marca de moda, muitas vezes nos fazem esta pergunta. Comecei a usar o Mooncup na minha meia-idade dos 20 anos, que foi o momento perfeito para o Mooncup porque despertou o meu interesse pela sustentabilidade e por compreender melhor o meu corpo.

Eu cultivei a minha relação com a sustentabilidade, na moda, em produtos sanitários ou na arte, ao longo de uma vida a fazer coisas, a comprar coisas e a passá-las adiante. E embora eu queira que o mundo seja sustentável, nunca gostaria de negar a alguém a experiência de experimentar identidades, de refinar o seu estilo queimando looks. Sinto empatia pelos jovens de hoje em dia, que têm de suportar toda essa culpa e responsabilidade pelas ações dos outros no nosso planeta. Mas, esperançosamente, como sociedade, estamos a ficar mais inteligentes em geral.

O tipo de trabalho em que estou envolvida, faço este produto de luxo que é o fruto do meu trabalho e paciência. Prefiro pintar um mármore falso do que ir extrair mármore do solo e retirar um recurso natural.

Para fazer uma pintura, tens alguns pedaços de madeira, uma tela e tinta a óleo, é tudo. Com isto podes criar um objeto que pode ter grande valor, assim como ser muito impactante para quem o vê. Mas depois, claro, essa obra tem de ser armazenada. Ou enviada para todo o mundo para ser exibida. Portanto, há todo este tipo de questões. Todos nós temos de ver, nas nossas vidas pessoais, quanto estamos dispostos a sacrificar.

Mas com o meu próprio trabalho e com o Atelier E.B, tentamos realmente trabalhar o máximo possível com vitrinas ou peças de exposição que o museu já tem. Não é muito comum no mundo da arte. Constroem uma tenda inteira, paredes e tapetes para uma feira de arte de cinco dias e depois destroem tudo. A arte realmente tem de se organizar. No entanto, é um momento muito entusiasmante! Vocês na Mooncup já fizeram todo o trabalho. A única vez que tive de comprar uma nova Mooncup foi porque um cão roubou a outra!

 

O que vem a seguir para ti?

Tenho uma exposição de arte pública chamada “Art on the underground”. Na verdade, está pronta desde abril de 2020, mas como a TfL faz parte do governo, não conseguimos lançá-la. Consiste numa grande pintura no teto, outdoors publicitários e um modelo em escala da estação, numa maravilhosa estação de metro chamada Sudbury Town, no noroeste de Londres.

Mais uma vez, são imagens publicitárias, que convidam a refletir sobre representações de mulheres, classe, raça ou o facto de já não se poder mostrar o ato de fumar em espaços públicos. Mas é também uma pintura no teto da área local, com locais de interesse locais.

A obra de Lucy McKenzie será exibida na Tate Liverpool, a partir de 18^º Outubro de 2021 e está atualmente em exibição em Museu Brandhorst em Munique. Também pode ver Exposição de arte pública de Lucy em exibição permanente na estação Sudbury Town em Londres.

Aviso legal do blog

O nosso blog destina-se a partilhar informações e ideias sobre períodos, saúde e sustentabilidade. Embora façamos o nosso melhor para manter o conteúdo preciso e atualizado, as coisas podem mudar com o tempo. A informação aqui não se destina a ser aconselhamento médico — para quaisquer preocupações relacionadas com a saúde, por favor consulte um profissional de saúde qualificado. Para mais informações sobre as nossas reivindicações, por favor veja a nossa Página de Reivindicações, e para a informação mais atualizada sobre produtos, por favor visite as nossas Páginas de Produtos.