La peinture emblématique Mooncup de Lucy McKenzie : règles, féminisme et art en conversation

Septembre 2020. Gwendoline Christie, l'actrice emblématique (et apparemment #RealMooncupUser !), surtout connue pour son rôle de Brienne de Tarth dans Game of Thrones, identifie @mooncupltd dans la pièce d'art la plus éblouissante sur Instagram. Une recherche rapide sur Google révèle qu'elle a été créée par l'artiste écossaise Lucy McKenzie, et qu'elle était exposée au Museum Brandhorst à Munich.

Il s'avère que la peinture a été créée à l'origine en 2012 – Comment ne l'avions-nous pas vue avant ?! Après un peu d'enquête, nous avons contacté Lucy et, à notre grand plaisir, elle a accepté de nous parler et de partager l'histoire derrière son triptyque « Mooncup ».

Lucy, vous êtes originaire d'Écosse mais vous vivez maintenant à Bruxelles. Pourriez-vous nous parler un peu de vous et comment vous avez fini par vivre en Belgique ?

J'ai passé mon adolescence à jouer de la musique et à faire des fanzines, mais j'ai découvert à l'école d'art que j'aimais peindre. J'ai étudié au Duncan of Jordanstone College of Art and Design à Dundee avant de retourner à Glasgow, où j'ai grandi.

J'ai arrêté de jouer de la musique, mais j'ai toujours gardé cet amour du côté sociable et j'ai continué à organiser des événements dans mes différents studios. J'ai un petit label de disques et j'adore collaborer. J'ai aussi une marque de mode, Atelier E.B, avec une créatrice d'Édimbourg appelée Beca Lipscombe, nous travaillons ensemble depuis 13 ans.

J'ai déménagé en Belgique en 2006. J'ai été attiré par mon intérêt et ma curiosité pour ce que le pays avait à offrir – que ce soit la grande mode belge des années 2000, certains types de musique, les bandes dessinées, l'Art nouveau et l'Art déco.

Il y a aussi beaucoup de choses en Belgique qui, en tant qu'Écossais, m'intéressent également. Comme en Écosse, il n'y a pas de grand récit national ou d'identité culturelle nationale écrasante que l'on trouve ailleurs. Cela laisse à l'artiste l'espace mental pour réfléchir à ce que cette identité peut être. Je crois qu'il y a quelque chose qui attire toujours les artistes à s'éloigner de leur ville natale. Être un « outsider » peut être enrichissant, créativement.

Je vis à Bruxelles depuis 14 ans maintenant. J'ai un merveilleux studio au centre-ville, c'est un véritable sanctuaire. C'est aussi un excellent point de départ pour voyager pour le travail.

Nous savons que vous êtes vous-même un #RealMooncupUser. Quelle est votre histoire Mooncup® ?

Le Mooncup® m'a été recommandé par une artiste et amie, Bonnie Camplin. Je me souviens toujours de l'email qu'elle a envoyé parce qu'il ressemblait à du spam ; avec un objet qui disait : « Je recommande vivement ce produit », et un lien. C'était tout. Cela semblait très suspect, mais j'ai vite compris que c'était juste son humour sec.

Quand j'ai cliqué sur le lien, je n'en croyais pas mes yeux, et je me demandais pourquoi je ne le connaissais pas. Cela m'a frappée comme un design tellement brillant. Cela m'a juste mis en lumière un autre défaut de notre société : qu'un produit aussi génial soit encore si méconnu, alors que les gens utilisaient encore des tampons, et tout ce matériel jetable à usage unique.

En Belgique à l'époque, le Mooncup était disponible dans les magasins bio locaux. Je me souviens en avoir acheté pour mes amies en Écosse. Tout le monde en voulait un !

Parmi mon réseau d'amies, nous parlions déjà des questions liées à nos corps et hormones, relations et règles, donc tout s'est propagé par le bouche-à-oreille, comme une sorte de vague.

Le personnel est politique

Qu'est-ce qui vous a inspirée pour créer la peinture « Mooncup » ?

En tant que peintre, j'étais vraiment fascinée par la façon dont le Mooncup a changé votre relation avec le sang. En fait, pas seulement en tant que peintre, mais en tant que personne.

Cela m'a étonné à quel point c'était si différent du sang d'une blessure. Ou du sang vu comme dégoûtant, honteux et sale, qu'on enveloppe dans du papier toilette et jette dans la poubelle des toilettes publiques. C'était complètement efficace et très beau. On pouvait aussi vraiment voir combien de sang on perdait chaque mois.

J'aime aussi comment, lorsque j'ai versé le sang soit dans les toilettes, soit dans l'évier, on pouvait voir à quel point c'est un matériau incroyable. Un rouge sombre, riche, couleur vin, presque bleu. Et puis, en se diluant, il devenait presque jaune farine de maïs, voire verdâtre. Et cela m'a juste fait penser : « si seulement je pouvais trouver une peinture qui se comportait comme ça, aussi riche et vivante que ce matériau. » Donc, j'ai trouvé cela très inspirant. Il s'agissait de cette relation un-à-un avec mon propre corps, et cette nouvelle chose qui m'a fait vivre le sang et mes règles d'une manière différente.

Mais dans tout mon travail, je m'efforce de trouver un équilibre entre une variété d'éléments qui sont en tension ; masculin et féminin, rationnel et irrationnel, conceptuel et instinctif. Donc, je voulais aborder la question plus large avec cette peinture, sur la façon dont le personnel est politique. C'est une vieille phrase, mais elle est toujours vraie aujourd'hui. Les expériences des femmes sont encore quelque peu ignorées et dénigrées, et considérées comme moins importantes ou frivoles. Je crois qu'il est très important que les femmes discutent de ces choses privées et les traitent dans leur art.

Il existe une tension de longue date entre la haute culture et la culture de masse, l'une étant masculine et l'autre féminine. Il y a toujours eu l'idée que certains sujets sont considérés comme plus légitimes que d'autres dans l'art sérieux. Je ressens qu'il est très important pour moi, en tant qu'artiste féminine, de marteler constamment que nos expériences sont à la fois extrêmement sérieuses et absolument valides comme matière pour l'art.

 

Nous, en tant que femmes, faisons aussi l'expérience de nos corps et de notre sexualité à travers la médiation des médias de masse. Les réseaux sociaux et les magazines féminins sont particulièrement intéressants à cause des messages mixtes complexes. D'un côté, il y a des publicités qui perpétuent des standards irréalistes de beauté et d'hygiène, mais de l'autre, c'était là que la femme moyenne lisait sur l'avortement et l'égalité salariale. Pour nous, femmes, c'est une relation constamment fluctuante entre vouloir être belle, féminine et désirable selon une norme, mais aussi vouloir comprendre qui nous sommes vraiment.

Je voulais que cette peinture contienne tous ces éléments. Je me suis dit, et si nous en arrivions au stade où les produits éco pouvaient être vendus comme quelque chose d'aussi sexy que le rouge à lèvres Chanel ? Alors, j'ai décidé de faire ressembler cette grande peinture d'art à une publicité.

D'une certaine manière, je projetais un futur où nous serions si décomplexées à propos des règles que nous pourrions simplement l'afficher sur un ménorme panneau publicitaire et cela pourrait être à Times Square, comme le Marlboro Man.

Et je pense qu'espérons-le, nous allons maintenant dans cette direction.

Vous avez d'abord exposé la peinture aux côtés des œuvres d'autres artistes féminines sur le côté d'un ancien grand magasin…

 

Oui, la peinture a été réalisée pour un contexte très spécifique, qui était une exposition collective que j'ai organisée en 2012 pour un musée belge appelé Muzee, à Ostende. Le musée lui-même est un ancien croisement entre un grand magasin et quelque chose comme le supermarché Co-op.

Mon invitation de la part du directeur du musée était de préparer une œuvre d'art pour les vitrines. C'est bien sûr une excellente opportunité, car cela signifiait qu'elle pouvait être vue la nuit, et aussi par les passants. C'est quelque chose que je chéris en tant qu'artiste, avoir un lien direct avec un public non habitué aux musées.

J'ai un réseau de femmes créatives, des compagnonnes de route qui partagent mes réflexions sur la dévalorisation de l'expérience des femmes, ou du travail des femmes en termes d'artisanat. J'ai donc demandé à un mélange d'artistes visuelles et de designers, toutes de bonnes amies, de co-présenter une exposition où chaque pièce ferait aussi office de publicité pour un produit.

J'ai moi-même réalisé une série de peintures qui faisaient toutes allusion à l'ancienne histoire de l'espace en tant que grand magasin. La série comprenait cette peinture Mooncup en trois parties, qui était placée verticalement entre les trois étages, unifiant le bâtiment. Et ensuite, tout était éclairé très soigneusement, pour qu'on puisse la voir la nuit.

Créer une agitation

Le triptyque « Mooncup » mesure au total 9 mètres de haut. Quelle a été la réaction au tableau en 2012 ? Avez-vous remarqué un changement d’attitude du public depuis, avec sa plus récente exposition au Brandhorst ?

Je dois dire que je travaille un peu dans une bulle. Je garde délibérément un profil bas, car je trouve plus utile de traiter des idées quand on n’est pas scruté comme c’est le cas avec un grand profil public.

Je sais qu’à Munich, où se trouve le Musée Brandhorst, le tableau a déclenché beaucoup de discussions sur la Mooncup®, car les gens ne savaient pas ce que c’était. Cela m’a assez choqué, car tous mes amis et moi l’utilisions, je pensais simplement que c’était normal.

Cela a aussi suscité des conversations autour des règles et de la Mooncup parmi les personnes qui travaillent au Brandhorst. Ils ont dû expliquer à des collectionneurs masculins plus âgés ce que c’était. Je n’avais même pas envisagé que cela puisse déclencher cette conversation.

 

Et ensuite, de manière brillante, l’actrice Gwendolyn Christie, qui a joué Brienne de Tarth dans Game of Thrones, avait vu une des affiches et elle l’a postée sur Instagram, ce qui a suscité une énorme réaction. J’adore cela, car je crois qu’il y a quelque chose dans cette œuvre qui devrait aussi avoir sa place dans la culture pop, car c’était son inspiration originale, la publicité de masse.

 

Il y a un excellent magazine à Bruxelles, appelé Girls Like Us. C’est un magazine de culture lesbienne et chaque été depuis quelques années, ils ont mis en place un super bar inclusif et queer appelé Mothers and Daughters où la bière est entièrement brassée par des femmes. Ils utilisent mes affiches Mooncup comme publicité dans les toilettes, pour investir tout l’espace. Cela les a inspirés.

Pour être honnête, le travail des artistes est généralement accueilli par un silence assourdissant, il est très rare d’obtenir une réaction massive. Je suppose que les artistes utilisant des outils comme Instagram ont une perception beaucoup plus tangible de cela. Mais certainement, en 2012, aucun d’entre nous qui avons participé à l’exposition n’avait de comptes sur les réseaux sociaux. Pourtant, ce fut un échange très, très fructueux avec les personnes qui l’ont vue.

Le tableau a été acheté par une collectionneuse italienne, basée à Londres, appelée Nicoletta Fiorucci, qui est une grande défenseuse des œuvres non conventionnelles. Elle doit avoir une grande maison ! Bien sûr, avec ses 9 mètres de haut, c’est absolument immense. Le rêve serait qu’il soit accroché à Times Square comme image publicitaire, mais l’un des impacts dont je suis le plus fier, c’est que vous avez pris contact. Rien que pour cela, le tableau a rempli sa mission.

Durabilité et art  

Pouvez-vous nous parler de votre marque de mode ?

Nous nous appelons Atelier E.B qui signifie Édimbourg. Bruxelles. J'ai rencontré ma partenaire commerciale Beca, une designer, car je posais pour elle au début des années 2000. J'adorais ses vêtements. Quand j'ai réalisé qu'elle faisait tout l'impression à la main elle-même dans son studio à Édimbourg, et à quel point il était important pour elle que ses créations soient fabriquées localement, j'ai compris que je n'avais en fait aucune idée de comment la mode finit sur votre dos.

Je l'ai un peu interrogée pour obtenir des informations. J'avais appris dans une école spécialisée à Bruxelles des techniques de peinture décorative, faux marbre et bois, lettrage, dorure, ces compétences vraiment traditionnelles que je voulais intégrer dans mon art visuel. L'idée était que nous proposerions des produits imprimés à la main par elle, peints à la main par moi et pochoirés à la main par un artiste pochoiriste nommé Bernie Reid. Des intérieurs décoratifs, nous avons évolué vers une marque de mode. Nous avons fait un défilé explorant l'histoire de l'industrie textile écossaise et pour approfondir cela, nous avons créé des vêtements, et les gens disaient : « Oh, peut-on acheter ça ? » alors nous sommes devenus une marque de mode.

Comment percevez-vous le rôle des arts dans la promotion de la durabilité et du féminisme ?

Je pense qu'en fin de compte, le rôle de l'artiste n'est pas de fournir des idées pour améliorer la vie. Notre rôle est d'exprimer notre subconscient et de faire exactement ce que nous ressentons, peu importe à quel point cela peut paraître étrange, donc je défendrai toujours ce droit de l'artiste.

Mais bien sûr, beaucoup d'art brillant est créé par le désir de changer le monde. L'art est un excellent outil pour dénoncer l'hypocrisie et imaginer un monde meilleur.

En ce qui concerne la durabilité, dans mon univers de marque de mode, on me pose souvent cette question. J'ai commencé à utiliser la Mooncup vers la mi-vingtaine, ce qui était le moment parfait pour la Mooncup car cela a éveillé mon intérêt pour la durabilité et une meilleure compréhension de mon corps.

J'ai cultivé ma relation avec la durabilité, que ce soit dans la mode, les produits sanitaires ou l'art, à travers une vie entière de création, d'achat et de transmission. Et bien que je veuille que le monde soit durable, je ne voudrais jamais priver quelqu'un de l'expérience d'essayer des identités, d'affiner son style en passant par différents looks. Je compatis avec les jeunes d'aujourd'hui, qui doivent porter tout ce poids de culpabilité et de responsabilité pour les actions des autres sur notre planète. Mais, espérons-le, en tant que société, nous devenons plus intelligents en général.

Le type de travail auquel je me consacre, je crée ce produit de luxe qui est le fruit de mon travail et de ma patience. Je préfère peindre du faux marbre que d'aller extraire du marbre du sol et prélever une ressource naturelle.

Pour faire une peinture, vous avez quelques morceaux de bois, une toile et de la peinture à l'huile, c’est tout. Avec cela, vous pouvez créer un objet qui peut avoir une grande valeur tout en étant très impactant pour les personnes qui le voient. Mais ensuite, bien sûr, cette œuvre doit être stockée. Ou expédiée pour être montrée partout dans le monde. Il y a donc toutes ces questions. Nous devons tous voir dans nos vies personnelles jusqu’où nous sommes prêts à faire des sacrifices.

Mais avec mon propre travail et avec Atelier E.B, nous essayons vraiment de travailler autant que possible avec des vitrines ou des éléments d'exposition que le musée possède déjà. Ce n’est pas si courant dans le monde de l’art. Ils construiront une tente entière avec des murs et des tapis pour une foire d'art de cinq jours, puis la détruiront. L'art doit vraiment se remettre en ordre. C’est une période vraiment excitante cependant ! Chez Mooncup, vous avez fait tout le travail. La seule fois où j’ai dû acheter une nouvelle Mooncup, c’est parce qu’un chien a volé l’autre !

 

Quelles sont les prochaines étapes pour vous ?

J'ai une exposition d'art public appelée « Art on the underground ». Elle est en fait prête depuis avril 2020, mais comme TfL fait partie du gouvernement, nous n'avons pas pu la lancer. Elle se compose d'une grande peinture au plafond, de panneaux publicitaires et d'une maquette à l'échelle de la station, dans une merveilleuse station de métro appelée Sudbury Town, dans le nord-ouest de Londres.

Encore une fois, ce sont des images publicitaires, qui vous invitent à réfléchir aux représentations des femmes, de la classe sociale, de la race ou au fait que l'on ne peut plus montrer de fumer dans les espaces publics. Mais c’est aussi une peinture au plafond de la région locale, avec des lieux d’intérêt locaux.

Les œuvres de Lucy McKenzie seront exposées à Tate Liverpool, à partir du 18^ème octobre 2021 et est actuellement exposée à Museum Brandhorst à Munich. Vous pouvez aussi voir L'exposition d'art public de Lucy en exposition permanente à la station Sudbury Town à Londres.

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