Lucy McKenzies legendäre Mooncup -Gemälde: Perioden, Feminismus und Kunst im Gespräch

September 2020. Gwendoline Christie, die legendäre Schauspielerin (und anscheinend #RealMooncupUser!), die vor allem durch ihre Rolle als Brienne von Tarth in „Game of Thrones“ bekannt wurde, taggt @mooncupltd in einem der umwerfendsten Kunstwerke auf Instagram . Eine schnelle Google-Suche verrät, dass es von der schottischen Künstlerin Lucy McKenzie geschaffen wurde und im Museum Brandhorst in München ausgestellt war.

Es stellte sich heraus, dass das Gemälde ursprünglich aus dem Jahr 2012 stammte – wie konnten wir es nur übersehen?! Mit etwas Detektivarbeit gelang es uns, Lucy zu erreichen, und zu unserer Freude erklärte sie sich bereit, mit uns zu sprechen und uns die Geschichte hinter ihrem „Mooncup“-Triptychon zu erzählen.

Lucy, du kommst aus Schottland, lebst aber jetzt in Brüssel. Könntest du uns etwas über dich erzählen und wie es dazu kam, dass du nach Belgien gekommen bist?

Meine Teenagerjahre verbrachte ich mit Musik und Fanzines, entdeckte dann aber an der Kunstschule meine Leidenschaft für die Malerei. Ich studierte am Duncan of Jordanstone College of Art and Design in Dundee, bevor ich nach Glasgow zurückkehrte, wo ich aufwuchs.

Ich habe aufgehört, Musik zu machen, aber ich habe mir immer die Liebe zur Geselligkeit bewahrt und organisiere weiterhin Veranstaltungen in meinen verschiedenen Studios. Ich habe ein kleines Plattenlabel und liebe es, mit anderen zusammenzuarbeiten. Außerdem habe ich ein Modelabel, Atelier EB, mit einer Designerin aus Edinburgh namens Beca Lipscombe. Wir arbeiten jetzt seit 13 Jahren zusammen.

Ich bin 2006 nach Belgien gezogen. Mein Interesse und meine Neugier an dem, was das Land zu bieten hatte, haben mich angezogen – sei es die große Mode, die Anfang der 2000er Jahre aus Belgien kam, oder bestimmte Arten von Musik, Comics, Jugendstil und Art déco.

Es gibt auch viele Dinge an Belgien, die ich als Schotte interessant finde. Ähnlich wie in Schottland gibt es hier keine große Erzählung oder dominante nationale kulturelle Identität, wie man sie anderswo findet. Es lässt dem Künstler den geistigen Freiraum, darüber nachzudenken, wie diese Identität aussehen könnte. Ich glaube, es gibt etwas, das Künstler immer wieder anzieht, ihre Heimatstadt zu verlassen. Es kann kreativ bereichernd sein, ein „Außenseiter“ zu sein.

Ich lebe seit 14 Jahren in Brüssel. Ich habe ein wunderschönes Studio mitten in der Stadt – ein wahrer Rückzugsort. Von hier aus kann man auch gut beruflich reisen.

Wir wissen, dass Sie selbst ein #RealMooncupUser sind. Was ist Ihre Mooncup® - Geschichte?

Die Mooncup® wurde mir von meiner Künstlerkollegin und Freundin Bonnie Camplin empfohlen. Ich erinnere mich noch gut an ihre E-Mail, weil sie wie Spam aussah. Der Betreff lautete: „Ich kann dieses Produkt wärmstens empfehlen“ und ein Link. Das war’s. Es wirkte sehr verdächtig, aber ich merkte schnell, dass das nur ihr trockener Humor war.

Als ich auf den Link klickte, konnte ich es kaum glauben und fragte mich, warum ich davon nichts wusste. Es kam mir wie ein brillantes Design vor. Es verdeutlichte mir einen weiteren Makel unserer Gesellschaft: dass ein so großartiges Produkt noch immer so unbekannt war, während die Leute immer noch Tampons und all dieses Wegwerfmaterial benutzten.

In Belgien war der Mooncup damals in den örtlichen Bioläden erhältlich. Ich erinnere mich, wie ich ihn für meine Freundinnen in Schottland kaufte. Alle wollten ihn haben!

In meinem Freundeskreis sprachen wir bereits über Themen rund um unseren Körper, unsere Hormone, unsere Beziehungen und unsere Periode, und so verbreitete sich das Ganze wie eine Art Welle durch Mundpropaganda.

Das Persönliche ist politisch

Was hat Sie zu dem Gemälde „Mooncup“ inspiriert?

Als Malerin war ich wirklich fasziniert davon, wie der Mooncup meine Beziehung zum Blut verändert hat . Und zwar nicht nur als Malerin, sondern auch als Mensch.

Es hat mich erstaunt, wie sehr sich das von dem Blut aus einer Wunde unterschied. Oder von Blut, das als ekelhaft, beschämend und schmutzig gilt, von einem Tampon, den man in Toilettenpapier einwickelt und in den Mülleimer einer öffentlichen Toilette wirft. Es war absolut effektiv und wunderschön. Man konnte auch direkt sehen, wie viel Blut man jeden Monat vergoss.

Ich liebe es auch, wie man, wenn ich das Blut in die Toilette oder ins Waschbecken gieße, sehen kann, was für ein erstaunliches Material es ist. Ein dunkles, sattes Weinrot, fast blau. Und dann, wenn es sich verdünnt, wird es fast maismehlgelb oder sogar grünlich. Und da dachte ich: „Wenn ich doch nur eine Farbe finden könnte, die sich so verhält, so satt und lebendig wie dieses Material.“ Das fand ich sehr inspirierend. Es ging um diese Eins-zu-eins-Beziehung mit meinem eigenen Körper und um dieses neue Etwas, das mich das Blut und meine Periode anders erleben ließ.

Aber in all meinen Arbeiten strebe ich nach einem Gleichgewicht zwischen verschiedenen Spannungselementen: maskulin und feminin, rational und irrational, konzeptuell und instinktiv. Mit diesem Gemälde wollte ich die umfassendere Frage aufgreifen, wie das Persönliche politisch ist. Es ist ein alter Spruch, aber er gilt auch heute noch. Die Erfahrungen von Frauen werden immer noch wenig beachtet und herabgewürdigt und als unwichtig oder leichtfertig angesehen. Ich glaube, es ist so wichtig für Frauen, diese privaten Dinge zu diskutieren und sie in ihrer Kunst zu verarbeiten.

Es besteht seit langem eine Spannung zwischen Hochkultur und Massenkultur, wobei die eine männlich, die andere weiblich ist. Es gab schon immer die Vorstellung, dass bestimmte Themen in der ernsthaften Kunst als legitimer gelten als andere. Mir ist es als Künstlerin sehr wichtig, immer wieder zu betonen, dass unsere Erfahrungen sowohl äußerst ernstzunehmend als auch absolut gültiges Material für die Kunst sind.

Wir Frauen erleben unseren Körper und unsere Sexualität auch durch die Vermittlung der Massenmedien. Soziale Medien und Frauenzeitschriften sind aufgrund ihrer komplexen, widersprüchlichen Botschaften besonders interessant. Einerseits gibt es Anzeigen, die unrealistische Schönheits- und Hygienestandards propagieren, andererseits liest die durchschnittliche Frau dort über Abtreibung und Lohngleichheit. Für uns Frauen ist es ein ständiges Schwanken zwischen dem Wunsch, schön, weiblich und begehrenswert zu sein, und dem Wunsch, herauszufinden, wer wir wirklich sind.

Ich wollte, dass dieses Gemälde all diese Elemente enthält. Ich dachte: Was wäre, wenn wir so weit kommen würden, dass Öko-Produkte als so sexy wie Chanel-Lippenstift verkauft werden könnten? Also beschloss ich, dieses große Kunstgemälde wie Werbung aussehen zu lassen.

In gewisser Weise stellte ich mir eine Zukunft vor, in der wir so ungeniert mit der Periode umgehen, dass wir sie einfach auf einer Plakatwand zeigen könnten, die dann am Times Square stehen könnte, wie der Marlboro Man.

Und ich denke, wir bewegen uns jetzt hoffentlich in diese Richtung.

Sie haben das Gemälde zunächst zusammen mit den Werken anderer Künstlerinnen an der Fassade eines ehemaligen Kaufhauses ausgestellt …

Ja, das Gemälde entstand für einen ganz bestimmten Kontext: eine Gruppenausstellung, die ich 2012 für das belgische Museum Muzee in Ostende organisierte. Das Museum selbst ist eine ehemalige Kreuzung zwischen einem Kaufhaus und so etwas wie einem Coop-Supermarkt.

Der Museumsdirektor lud mich ein, ein Kunstwerk für die Fenster zu gestalten. Das war natürlich eine tolle Gelegenheit, denn so konnte das Kunstwerk auch nachts und von Passanten gesehen werden. Das schätze ich als Künstler sehr, da ich eine direkte Verbindung zu einem Publikum habe, das nicht ins Museum geht.

Ich verfüge über ein Netzwerk kreativer Frauen, die meine Ansichten über die Herabwürdigung der Erfahrungen von Frauen und ihrer handwerklichen Arbeit teilen. Deshalb habe ich eine Mischung aus bildenden Künstlerinnen und Designerinnen – allesamt gute Freundinnen – gebeten, gemeinsam eine Ausstellung zu präsentieren, bei der jedes Stück gleichzeitig als Werbemittel für ein Produkt dienen würde.

Ich selbst habe eine Reihe von Gemälden geschaffen, die alle auf die lange Geschichte des Gebäudes als Kaufhaus anspielten. Dazu gehörte auch dieses dreiteilige „Mooncup“-Gemälde, das vertikal zwischen den drei Stockwerken angebracht war und das Gebäude so vereinte. Und dann wurde alles sehr sorgfältig beleuchtet, sodass es auch nachts sichtbar war.

Für Aufsehen sorgen

Das dreiteilige Gemälde „Mooncup“ ist insgesamt neun Meter hoch. Wie war die Resonanz auf das Gemälde im Jahr 2012? Haben Sie seit der jüngsten Ausstellung im Brandhorst eine veränderte Wahrnehmung des Publikums bemerkt?

Ich muss sagen, ich arbeite in einer Art Blase. Ich halte mich bewusst im Hintergrund, da ich es einfach sinnvoller finde, Ideen auszutauschen, wenn man nicht so genau unter die Lupe genommen wird wie bei einem großen öffentlichen Profil.

Ich weiß, dass das Gemälde in München, wo sich das Brandhorst Museum befindet, viele Gespräche über den Mooncup® ausgelöst hat, weil die Leute nicht wussten, was das ist. Ich war ziemlich schockiert, denn alle meine Freunde und ich benutzten ihn. Ich hatte einfach angenommen, es sei normal.

Es löste auch bei den Mitarbeitern von Brandhorst Gespräche über die Menstruation und die Mooncup-Mundtasse aus. Sie mussten älteren männlichen Sammlern erklären, was das ist. Mir wäre gar nicht in den Sinn gekommen, dass das ein Gespräch auslösen könnte.

Und dann war es noch so toll: Die Schauspielerin Gwendolyn Christie , die in „Game of Thrones“ Brienne von Tarth spielte, sah eines der Poster und postete es auf Instagram , wo es eine riesige Resonanz bekam. Das finde ich super, denn ich glaube, dieses Werk hat etwas, das auch in der Popkultur seinen Platz finden sollte, denn Massenwerbung war seine ursprüngliche Inspiration.

In Brüssel gibt es ein tolles Magazin namens Girls Like Us . Es ist ein Magazin für lesbische Kultur. Seit ein paar Jahren gibt es dort jeden Sommer eine tolle, inklusive, queere Bar namens Mothers and Daughters, in der das Bier ausschließlich von Frauen gebraut wird. Sie verwenden meine Mooncup-Poster als Werbung in den Toiletten, um den ganzen Raum zu besetzen. Das hat sie inspiriert.

Ehrlich gesagt stößt die Arbeit von Künstlern normalerweise auf schallendes Schweigen; es ist sehr selten, dass es eine große Resonanz gibt. Ich denke, Künstler, die Tools wie Instagram nutzen, haben dafür ein viel greifbareres Gefühl. 2012 hatte allerdings keiner von uns, die an der Ausstellung teilnahmen, einen Social-Media-Account. Trotzdem war es ein sehr, sehr fruchtbarer Austausch mit den Zuschauern.

Das Gemälde wurde von einer italienischen Sammlerin mit Sitz in London namens Nicoletta Fiorucci gekauft, die eine große Verfechterin unkonventioneller Kunst ist. Sie muss ein großes Haus haben! Mit neun Metern Höhe ist es natürlich riesig. Mein Traum wäre es, es als Werbebild am Times Square zu hängen, aber was mich am meisten freut, ist Ihre Kontaktaufnahme. Allein das hat das Gemälde seinen Zweck erfüllt.

Nachhaltigkeit und Kunst

Können Sie uns etwas über Ihr Modelabel erzählen?

Wir heißen Atelier EB , was für Edinburgh steht. Brüssel. Ich lernte meine Geschäftspartnerin Beca, eine Designerin, kennen, als ich Anfang der 2000er Jahre für sie modelte. Ich liebte ihre Kleidung. Als ich erfuhr, dass sie alle Handdrucke selbst in ihrem Studio in Edinburgh machte und wie wichtig ihr die lokale Produktion ihrer Sachen war, wurde mir klar, dass ich eigentlich keine Ahnung davon hatte, wie Mode auf unseren Schultern landet.

Ich habe sie regelrecht ausgequetscht. Ich hatte an einer Spezialschule in Brüssel Techniken der dekorativen Malerei, des Kunstmarmors und -holzes, des Schriftzugs und der Vergoldung gelernt – diese traditionellen Fertigkeiten wollte ich in meine bildende Kunst einbringen. Die Idee war, Produkte anzubieten, die sie handbedruckt, ich handbemalt und ein Schablonenkünstler namens Bernie Reid handschabloniert hatte. Aus dekorativen Inneneinrichtungen entwickelte sich ein Modelabel. Wir machten eine Ausstellung über die Geschichte der schottischen Textilindustrie und stellten dazu Kleidung her. Die Leute fragten: „Können wir das kaufen?“, also wurden wir ein Modelabel.

Wie sehen Sie die Rolle der Künste bei der Förderung von Nachhaltigkeit und Feminismus?

Ich denke, die Rolle des Künstlers besteht letztlich nicht darin, lebensverbessernde Ideen zu liefern. Unsere Rolle ist es, unser Unterbewusstsein zum Ausdruck zu bringen und genau das zu tun, was wir fühlen, egal wie seltsam es klingt. Deshalb werde ich das Recht des Künstlers darauf immer verteidigen.

Aber natürlich entsteht viel brillante Kunst aus dem Wunsch, die Welt zu verändern. Kunst ist ein großartiges Mittel, um Heuchelei aufzudecken und sich eine bessere Welt vorzustellen.

Was Nachhaltigkeit angeht, wird uns in meiner Modelabel-Welt diese Frage oft gestellt. Ich habe Mitte 20 angefangen, den Mooncup zu verwenden. Das war einfach der perfekte Zeitpunkt dafür, denn er hat mein Interesse an Nachhaltigkeit und einem besseren Verständnis meines Körpers geweckt.

Ich habe meine Beziehung zur Nachhaltigkeit – ob in Mode, Hygieneprodukten oder Kunst – durch mein Leben geprägt, in dem ich Dinge selbst gemacht, gekauft und weitergegeben habe. Und obwohl ich mir eine nachhaltige Welt wünsche, möchte ich niemandem die Möglichkeit nehmen, Identitäten auszuprobieren und seinen Stil durch das Ausprobieren verschiedener Looks zu verfeinern. Ich habe Mitgefühl mit den jungen Menschen von heute, die all diese Schuld und Verantwortung für das Handeln anderer auf unserem Planeten tragen müssen. Aber hoffentlich werden wir als Gesellschaft insgesamt klüger.

Mit meiner Arbeit mache ich Luxusprodukte, die das Ergebnis meiner Arbeit und Geduld sind. Ich würde lieber Kunstmarmor bemalen, als Marmor aus dem Boden zu holen und so einen natürlichen Rohstoff zu gewinnen.

Um ein Gemälde zu malen, braucht man ein paar Holzstücke, Leinwand und Ölfarbe – das ist alles. Daraus kann man ein Objekt schaffen, das von großem Wert sein und die Betrachter nachhaltig beeindrucken kann. Natürlich muss das Werk dann auch gelagert oder weltweit ausgestellt werden. All diese Fragen stellen sich. Wir alle müssen in unserem eigenen Leben prüfen, wie viel wir bereit sind zu opfern.

Aber bei meiner eigenen Arbeit und mit Atelier EB versuchen wir wirklich, so viel wie möglich mit Vitrinen oder Ausstellungsstücken zu arbeiten, die das Museum bereits hat. In der Kunstwelt ist das nicht so üblich. Dort wird für eine fünftägige Kunstmesse ein ganzes Zelt mit Wänden und Teppichen aufgebaut und dann zerstört. Die Kunst muss ihren Mist endlich mal wieder auf die Reihe kriegen. Es ist aber eine wirklich spannende Zeit! Ihr bei Mooncup habt die ganze Arbeit gemacht. Das einzige Mal, dass ich mir eine neue Mooncup kaufen musste, war, weil ein Hund die andere geklaut hat!

Was kommt als Nächstes für Sie?

Ich habe eine öffentliche Kunstausstellung mit dem Titel „ Kunst in der U-Bahn “. Sie wäre eigentlich schon seit April 2020 fertig, aber da TfL Teil der Regierung ist, konnten wir sie noch nicht eröffnen. Sie besteht aus einem großen Deckengemälde, Werbetafeln und einem maßstabsgetreuen Modell der Station Sudbury Town, einer wunderschönen U-Bahn-Station im Nordwesten Londons.

Auch hier handelt es sich um Werbebilder, die zum Nachdenken über die Darstellung von Frauen, Klasse, Rasse oder das Rauchverbot im öffentlichen Raum anregen. Es handelt sich aber auch um ein Deckengemälde der Umgebung mit lokalen Sehenswürdigkeiten.

Lucy McKenzies Werke werden ab dem ^18. Oktober 2021 in der Tate Liverpool ausgestellt und sind derzeit im Museum Brandhorst in München zu sehen. Lucys öffentliche Kunstausstellung ist auch in der Dauerausstellung am Bahnhof Sudbury Town in London zu sehen .

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